Desde siempre Estados Unidos ha reinadao internacionalmente en el mundo del jazz, allí nació y se desarrolló y es lógico que ostenten ese nivel en lo que concierne a difusión masiva. Con respecto a lo artístico no es así, ya que en muchas partes del mundo existen excelentes músicos de jazz que nada tienen que envidiarle a los nativos estadounidenses. Pero hubo un movimiento que comenzó a gestarse a mediados del siglo XX en Europa y nada menos que en Francia, el primer país europeo en tener una Academia de Jazz. Con este último dato podemos observar la importancia que le dan al género en ese país. Allí hubo un músico que se destacó por sobre todos y que llegó a ser considerado el mejor guitarrista de jazz del mundo, hablamos de Django Reinhardt, quien actuaba regularmente en el Hot Club de Francia. El gran aporte que hicieron los músicos europeos fue fusionar los ritmos y melodías de sus países al jazz, logrando una sonoridad única que se llegó a conocer como jazz europeo. Esto sumado a las extensas temporadas en que grandes músicos norteamericanos pasaron en Europa, buscando mayor reconocimiento del que tenían en su país y que comenzaron a tener contacto y relación con los músicos locales transmitiendo la escencia del jazz original. Algunos de esos músicos fueron Lou Bennet, Dexter Gordon, Kenny Clarke, Lucky Thompson, Johnny Griffin, Chet Baker y el mismo Miles Davis. Luego en los años 70 surgieron músicos que necesitaron quitarse esa asociación con el jazz norteamericano y buscaron en otras partes, uno de los primeros fue el guitarrista inglés John McLaughlin y luego comenzaron a surgir excelentes músicos que evitaban que su música sea asociada directamente con el jazz de Estados Unidos, algunos son Claude Barthélémy, Jean-Francois Jenny-Clark, Michel Benita, Louis Sclavis y Henri Texier. Ya el jazz europeo gozaba de indentidad propia pero fue a mediados de los 70 que llegó el gran empujón que necesitaba en materia de difusión a nivel mundial, y llegó de la mano de Manfred Eicher, quien a comienzos de los 70 fundó el sello ECM con el lema “el sonido más bello después del silencio". Allí se conocieron excelentes músicos como el saxofonista noruego Jan Garbarek, Dave Holland, Miroslav Vitous, Carla Bley, Terje Rydal y Bobo Stenson entre muchos otros. Desde allí el jazz europeo gozó de muy buena salud y todavía sigue dando excelentes muestras de calidad artística y musica. Una breve reseña de este movimiento muy amplio como para interiorizarnos en la historia del jazz, más adelante en Docta Jazz seguiremos ampliando este hermoso mundo del jazz europeo.
Se llama Jazz Rock a la fusión de instrumentos y elementos sonoros propios del jazz y la experimentación con los ritmos e instrumentos eléctricos del rock. Este movimiento tuvo como comienzo a finales de los años 60 en las cabezas de músicos como Miles Davis, John MacLaughlin, Herbie Hancock y más por el lado del rock a grupos como Cream, Grateful Dead y Frank Zappa, quienes incorporaron a sus experimientaciones rockeras ritmos y sonidos del jazz tradicional. Ya en los 70 el jazz rock tomó fuerza y muchos músicos de jazz se pasaron definitivamente a este nuevo estilo, músicos como Joe Zawinul, Miles Davis, Herbie Hancock junto a la aparición en escena de grupos pilares en el estilo como Weather Report, Return to Forever, la Mahavishnu Orchestra, el genial Jaco Pastorius quien llevó al bajo eléctrico a un plano insospechado hasta el momento y muchos más.Mucho funk, mucho groove, ritmos de rock americano y europeo y sobre todo mucha experimentación con los nuevos sonidos que brinda la electrónica y los instrumentos eléctricos caracterizan al jazz rock. Algunos de los discos a escuchar de este estilo son
- Miles Davis, Bitches Brew - Weather Report, Black Market - Weather Report, Heavy Weather - Soft Machine, Third
Video de Return to Forever, The Romantic Warrior - Video de Jazz Rock
A medida que pasaban los años la posición de muchos músicos afroamericanos en contra del estado norteamericano y de todo lo que olía a "blanco" se iba radicalizando. Y no quedó fuera de esta corriente el jazz, música de raíces totalmente negras y que había ido perdiendo su identidad al ser tocada y adopatada por el mainstream. Esa búsqueda de los límites del jazz y de el alejamiento de todo lo que la música clásica de origen europeo y blanco le iba introduciendo hizo que primero Charles Mingus y luego Ornette Coleman experimentaran con la atonalidad. Fue este último que llegó al extremo y editó un disco llamado Free Jazz, sentando las bases para un nuevo estilo y bautizándolo, ya que este estilo se conoce como Freejazz. Por supuesto que hubo otros grandes cultores del género como Archie Shepp, Pharoah Sanders, el argentino Gato Barbieri, el enigmático Sun Ra, Eric Dolphy, el propio Miles Davis, John Coltrane y el gran Charles Mingus. De fuerte contenido político este movimiento llegó a tener entidades que agrupaban a los músicos de free jazz como en New York el Jazz Composers Guild o en Chicago la AACM, Asociación para el Avance de la Música Creativa de donde surgió el mítico Art Ensemble of Chicago. Los discos se llenaron de aluciones de todo tipo, el jazz respiró nuevamente su libertad total y los años sesenta alimentaron este movimiento con toda su vorágine política, social y cultural.
Algunos discos emblemáticos del estilo Free Jazz son: - Sun Ra, The Magic City - Ornette Coleman, Free Jazz - Dave Holland, Conferences of the bird - Alber Ayler, Love Cry - Archie Shepp, Fire Music
Video de Ornette Coleman, Dancing in Your Head - Video de Free Jazz
El estilo Hardbop es una extensión del Bebop que incorpora influencias del rhythm and blues, gospel music y el blues. Hard bop incorporates influences from rhythm and blues, gospel music, and blues, especially in the saxophone and piano playing. El hardbop fue desarrollado a mediadios de los años 50 como contrapartida al estilo del Cool o West Coast Jazz, mientras en el Cool los músicos eran predominantemente de raza blanca en el hardbop predominaban los músicos afroamericanos. El movimiento del hardbop tiene un fuerte condimento político en contra del racismo y la marginación que sufrían muchos habitantes afroamericanos en Estados Unidos.
Dede el punto de vista musical fue la reinvindicación de las raíces africanas del jazz y el blues, en contraposición a la postura más clásica que el jazz estaba tomando con el Cool. El mítico club Birdland de New York albergó a los hardbopers más prestigiosos, como el baterista Art Blakey y sus Jazz Messengers, banda compuesta por gigantes del jazz como John Coltrane, Freddie Hubbard, Lee Morgan, Cannonball Adderley o Max Roach.
Algunos de los discos representativos del estilo Hardbop son: Art Blakey y los Jazz Messengers – Moanin Clifford Brown – Study and Brown John Coltrane – Blue Train Horace Silver – And the Jazz Messengers
A finales de los años 40 un músico de Bebop comenzó a experimentar en otra dirección al constante ritmo a veces abrumante. Miles Davis era ese músico que buscando sonidos nuevos tuvo el protagonismo en la creación de un nuevo estilo: el Cool. Su colaboración con el compositor Gil Evans en la creación de las doce composiciones que componen al emblemático disco Birth Of The Cool fue el desencadenante del nuevo estilo. Muchos músicos comenzaron a imitar esos sonidos y se hizo muy popular sobre todo en músicos blancos de la Costa Oeste de los Estados Unidos. Sus referentes de la época fueron Chet Baker, Stan Getz, Gerry Mulliga y el pianista blanco Lennie Tristano. El estilo se caracteriza por la ejecución ordenada del grupo y la disciplina de los músicos. Tal es así que muchos críticos emparetaron el termino Cool a su significado en inglés: frío, en contraposición con el jazz llamado hot que representaban los músicos negros a través de estilos frenéticos como el bebop. Los compositores y arreglistas pasaron a tener gran protagonismo en este estilo dando al jazz una nueva visión en el aspecto musical. La gran mayoría de lso músicos del cool jazz tenían una formación en música clásica europea, lo que llevó indefectiblemente a alejar al jazz de sus raíces negras, hecho que llegó a que Miles Davis se alejara del estilo, el cual quedo marcado con el estigma de jazz para músicos blancos.
El Bebop fue un movimiento radical dentro del jazz de principios de los años 40. La diferencia con el Swing es que en el Bebop los solistas usan acordes, en vez de la melodía, para hacer sus improvisaciones, a menudo desechando la melodía después del primer coro. Todo comenzó en New York cuando los músicos que tocaban en las orquestas como trabajo iban luego de los conciertos a un bar llamado Minton's Playhouse y allí podían tocar libremente e improvisar con otros músicos. Frecuentaban este y otros clubes que luego surgieron músicos emergentes como Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Charlie Christian o Bud Powell. Justamente dos de ellos, Charlie Parker y Dizzy Gillespie fueron los grandes exponentes del Bebop. Estilo que surgió principalmente para romper con el acartonamiento que sentían los músicos al tener que atarse a las formas del swing de las orquestas donde trabajaban. La idea era tocar muy rápido y llenar el sólo con tantas notas o melodías pudieran. Nació como un movimiento de resistencia musical y también teñido de características sociales bien definidas, era predominanemente tocado por los músicos negros y el ambiente estaba poblado de los excluídos de los lujosos locales donde se tocaba y bailaba el swing. Artistas de todo tipo se reunían en torno a este movimiento y según la leyenda cuando alguien le preguntó a Charlie Parker porque se llamaba Bebop, respondió con su ironía de siempre al decir que ese era el ruido que la cachiporra de un policía hace sobre la cabeza de un negro, donde se refleja claramente el carácter social que tenía el movimiento. Como sucedió en todos los tiempos la mayoría de la gente prefiere el espectáculo y por eso el bebop nunca llegó a ser tan popular como el swing. Sumado a las prohibiciones y diversos problemas que los músicos del bebop tenían para poder grabar, lo que hizo que mucha música se perdiera en el olvido. Sin embargo las composiciones creadas por Gillespie y Parker sentaron las bases para el desarrollo del jazz contemporáneo.
Video de Charlie Parker, Donna Lee - Video de jazz
Se reconoce la aparición del swing como estilo dentro del jazz por el año 1929 en la ciudad de New York. Las bandas de swing generalmente tenían más de 15 músicos en escena y siempre estaba la diferencia entre banda y solista líder. Deriva del jazz hot y es predominantemente instrumental, teniendo como referentes a los músicos Benny Goodman y Count Basie. El swing tuvo su época de oro entre los años 1935 y 1945 en que el mainstream de los grandes sellos y las radios comenzaron a interesarse en el estilo. Las bandas se propagaron y comenzarona incluir voces en algunos casos, muchos artistas de otros géneros comenzaron a usar bandas de swing como soporte para sus composiciones que ya no eran tan ligadas al jazz hot o el boogie, como Frank Sinatra por ejemplo. En Europa el swing se desarolló principalmente en Paris y en Alemania con grandes bandas y muchos músicos norteamericanos que emigraban al viejo continente durante la crisis que abatió a Estados Unidos en los años 30. Una lista de líderes de bandas de swing es la siguiente Artie Shaw, Benny Goodman, Cab Calloway, Count Basie, Chick Webb, The Dorsey Brothers, Duke Ellington, Glenn Gray, Erskine Hawkins,Fletcher Henderson, Tiny Hill, Earl Hines, Gene Krupa, Glenn Miller, Gloria Parker, Harry James, Louis Prima, Ella Fitzgerald, Louis Jordan, Hal Kemp, Kay Kyser, Buddy Rich, Fred Rich, Jack Teagarden, Les Brown, Charlie Barnet, Fats Waller, Art Tatum.
Video de Swing: Duke Ellington I don't mean a thing - 1943 - Videos de jazz
El estilo boogie es un derivado del blues y basado principalmente en el piano como instrumento principal. Su ritmo es bailable y se toca a tempos muy rápidos. El boogie es un estilo que surgió en el sur de los Estados Unidos y que no sufrió la influencia de los estilos europeos para el piano. Dicen que surgió por el área del Missisipi y se tocaba en lugares conocidos como barrelhouses, una especie de bar donde los pianistas acompañaban a cantantes y se formaban los bailes. Cuando los músicos comenzaron a emigrar hacia el norte saliendo de los prejuicios raciales del sur de Estados Unidos tres fueron las ciudades que tuvieron la suerte de recibirlos y disfrutar del jazz incipiente que estaba surgiendo, ellas fueron Kansas, St. Louis y Chicago. Como no podía ser de otra maner la historia del boogie y su gran referente, Meade Lux Lewis, son dignos de una película, de hecho el mismo Lewis interpretó a un músico de boogie rebelde en la película New Orleáns. Autor del célebre tema Honky Tonky Trade Blues, tema que el crítico John Hammond sacó de su olvido y la categorizó como el referente del boogie. Hammon rastreó a Lewis pero no pudo encontrarlo por mucho tiempo, dada la gran depresión económica de Estados Unidos en los años 30 muchos estudios de grabación y sellos cerraron y los músicos quedaron abandonados a su suerte. Un día John Hammond mientras comía con el músico Albert Ammons en Chicago y hablando de música pregunto si conocía a Meade Lux y Ammons le dijo "Claro que si, está lavando autos en la esquina". El Carnegie Hall de New York fue un epicentro para la difusión del boogie y quedaron grabaciones para la historia. El boogie definió las bases para la aparición de estilos claves como el rhythm and blues y el rock and roll.
Video de Meade Lux Lewis, Boogie Woogie - Videos de jazz
El estilo de jazz llamado Chicago surgió con los músicos que tocaban en esa ciudad en los años 1920 antes de que le mayoría se radique en New York en los años 1930. Intimamente realacionado con el Dixieland este estilo tuvo como sus referentes al trompetista Jimmy McPartland , el saxofonista Bud Freeman y al clarinetista Frank Teschemache, integrantes de la Friar’s Society Orchestra, una banda de músicos blancos que tocaban en la Chicago’s Friar’s Society.
Video de Eddie Condon con Jimmy McPartland - Videos de jazz
El 25 de Abril de 1917 nació en Newport News, Virginia, la cantante Ella Fitzgerald. Cuando su madre se mudó a New York Ella comenzó a escuchar a los grandes músicos de jazz del momento como Louis Arsmtrong o Bing Crosby. La madre de Ella murió cuando ella tenía 15 años y desde allí estuvo viviendo en muy malas condiciones. Una noche, se inscribió`para bailar en un concurso amateur en el Apollo, pero luego de ver el espectáculo de baile de los competidores que estaban delante de ella decidió a último momento cambiar su acto y cantar la canción "Judy". Esa noche ganó el primer premio luego de su brillante interpretación y abrió los ojos de Benne Carter quien estaba tocando con la banda del lugar, Benny fue quien la introdujo en el negocio de la música. Luego de este suceso Ella comenzó a cantar en diferentes concursos y fue el baterista Chick Webb quien la contrató para su banda por 12,50 dólares a la semana. Estuvo en esta banda por 7 años donde grabó 150 temas hasta la muerte de Webb, en 1939, donde la banda comenzó a llamarse Ella Fitzgerald and her Famous Orchestra y en 1942 finalmente deja la banda para dedicarse a su carrera solista. En 1955 firma con Verve y es allí donde comienza su gran carrera que la llevò a inmortalizarla. Comenzó a interpretar las composiciones de los músicos del sello como Colo Porter, Duke Ellington para luego enfocarse en la música de Gershwin y de Antonio Carlos Jobim. Ella Fitzgerald grabó más de 200 discos en su extensa carrera hasta su muerte en 1996. Dejó un legado de musicalidad y se convirtió en una de las grandes voces femeninas de la música en su totalidad.
